Il coraggio dell’eretico. L’opera non è un museo: perché serve il coraggio di tradire la tradizione

Riflessioni di un semplice amante del bello e del ben fatto

di Bruno Marfé

Non sono un esperto d’opera, né un critico di professione. Sono solo un appassionato: uno di quelli che, ogni volta che si accendono le luci in sala e parte l’ouverture, si lascia ancora commuovere da un gesto, da un suono, da una voce.
Ma forse proprio per questo, ogni tanto mi chiedo: quanto a lungo la tradizione può sopravvivere a sé stessa?

Il mondo dell’opera è fatto di ritualità, di fedeltà, di “si è sempre fatto così”. Tuttavia, quando vedo riproposti allestimenti “perfetti, impacchettati”, con le solite scenografie e i soliti costumi d’epoca, mi domando se non stiamo rischiando di farne un museo.
L’eco della recente Tosca di Roma, basata sulla ricostruzione storica del 1900 di Adolf Hohenstein, ne è un esempio: spettacolare, sì, ma prevedibile. Abbiamo ancora bisogno dell’ennesima opera zeffirelliana? O dovremmo abbracciare il coraggio dell’eresia scenica, quella che scuote e divide, ma tiene viva l’arte?

Il pubblico che sa già cosa lo aspetta

Quando il pubblico entra a teatro e “sa già cosa vedrà”, l’arte perde parte della sua forza. I grandi capolavori – da Mozart a Wagner – sono classici non perché vecchi, ma perché restano vivi, pronti a rivelare qualcosa di nuovo ogni volta che cambiamo punto di vista.
E oggi, quella nuova prospettiva dev’essere anche la provocazione, la riscoperta del messaggio nascosto, spesso scomodo, che il tempo e le convenzioni hanno addolcito.

L’allestimento come esigenza etica

Non si tratta di “fare qualcosa di nuovo” a tutti i costi, ma di rinnovare rispettando.
Quando nel 1976 Patrice Chéreau portò il Ring des Nibelungen di Wagner sul palcoscenico di Bayreuth per il centenario, lo ambientò nell’epoca della Rivoluzione Industriale.
Wotan divenne un industriale in giacca e cravatta, il Valhalla una diga idroelettrica: una metafora potentissima del potere, dell’avidità e della distruzione umana. Il pubblico reagì con fischi furiosi, eppure oggi quella regia è considerata una delle più importanti del Novecento.

E come dimenticare Calixto Bieito, il “Tarantino dell’opera”? Nel suo Ratto dal Serraglio di Mozart, l’harem diventa un bordello degradato dove emergono la violenza, la schiavitù e la mercificazione del corpo femminile. Scioccante, sì, ma anche onesto. Perché l’opera, come la vita, non è fatta solo di bellezza e melodia.

O ancora Peter Konwitschny, che nella Traviata spoglia tutto: niente salotti lussuosi, pochi oggetti, solo la solitudine di Violetta e il suo dolore. Un “Brindisi” trasformato in eco di desolazione.
Sono scelte radicali, che dividono. Ma servono. Perché l’opera non è un reperto: è un corpo vivo, che respira con il suo tempo.

L’innovazione contro la pigrizia

Le regie di rottura non sono capricci autoriali. Sono, o dovrebbero essere, il frutto di studio, conoscenza e coraggio.
Solo chi conosce profondamente Verdi o Puccini può permettersi di “tradire”, perché lo fa per amore.
L’alternativa è la pigrizia: l’abitudine a vedere sempre le stesse scene, magari perfette, ma senz’anima.
E allora la domanda diventa inevitabile: vogliamo l’opera perfetta o l’opera necessaria?
Quella che consola o quella che inquieta?
Personalmente, credo che i fischi – quando sinceri – siano il prezzo naturale di un’arte viva, che osa e che provoca.

Conclusione: il coraggio di restare inquieti

Io non ho risposte da critico, solo impressioni da spettatore.
Ma sento che abbiamo ancora bisogno di regie che “fanno male”, che disturbano, che ci obbligano a pensare.
Il classico non va protetto sotto vetro, va vissuto e rimesso in discussione.
Perché la vera fedeltà non è ripetere: è ascoltare di nuovo, con orecchie e occhi diversi.

E se uscendo dal teatro non sappiamo più se ci è piaciuto o no, ma sentiamo che qualcosa dentro si è mosso… allora sì, l’opera è ancora viva.

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